Jungle sur leur superbe nouvel album, la liberté artistique et plus

Le duo britannique Jungle a juste ce facteur « ça ». Ils l’ont affiché depuis leurs débuts éponymes, nominés au Mercury Prize en 2014. C’est ce mélange musical de cool, suave, audacieux et de style qui en a fait des favoris critiques et cultes.

Leur superbe troisième album, Aimer en stéréo, sorti aujourd’hui (13 août) les montre une fois de plus comme l’un des duos les plus cool de la planète. Une collection en grande partie optimiste qui prend des influences disco et y insuffle des sons de leurs chansons et producteurs préférés, de J. Dilla aux Beatles, Aimer en stéréo est destiné à être un favori des concerts alors que le groupe fait danser les fans du monde entier dans les festivals les plus cool du monde en 2022.

Le disque est un grand pas à plusieurs égards pour le duo de Josh Lloyd-Watson et Tom McFarland. Non seulement c’est un départ sonore en termes de sons plus joyeux, c’est le premier duo en tant qu’artistes indépendants.

J’ai parlé avec Watson du nouveau disque, de leur propre initiative, de la façon dont leur liberté retrouvée a façonné Aimer en stéréo et pourquoi après avoir fait face à un chagrin d’amour sur Pour toujours, leur deuxième album, cette collection s’est rebellée contre ce son.

Steve Baltin : Comment ça se passe là-bas, en termes de COVID ? Pouvez-vous réellement commencer à anticiper les spectacles et tout ça ?

Josh Lloyd-Watson : Oh, oui, nous sommes complètement de retour. Nous sommes de retour à la normale ici au Royaume-Uni, littéralement (rires). Je suis dedans, j’y crois. Vous ne pouvez pas le retenir éternellement. Nous devons juste laisser le monde respirer.

Baltin : Alors, as-tu déjà fait des concerts ?

Watson : Non, nous ne l’avons pas fait. Nous en avons à venir plus tard ce mois-ci, puis à la fin du mois, puis au début de septembre. Mais, ça a l’air bien au Royaume-Uni, pour être honnête avec vous. Ils ont fait beaucoup de festivals à grande échelle. Ils ont fait un énorme festival, Latitude Festival, n’est-ce pas ? Et il y avait comme un cas sur 90 000 personnes, ou c’est ce que la presse nous dit. Parfois c’est courir pour les collines et d’autres fois tout va bien.

Baltin : Je demande simplement pour pouvoir sortir, jouer et faire Aimer en stéréo habitent. Mais vous avez aussi un spectacle de théâtre grec réservé ici à LA, n’est-ce pas ?

Watson : Ouais, je pense que tout avance, pour autant que je sache. Décidément, les trucs britanniques vont continuer. On dirait, d’après les trucs américains, que des concerts ont lieu là-bas. Je ne suis pas sûr pour le Canada. J’ai l’impression que le Canada pourrait simplement dire : « Nous ne sommes pas prêts. » Oui, cela rend la planification d’un tour du monde assez délicate. Je me souviens de l’époque où nous allions de la Suisse au Japon, en Australie, puis retour à Lolla en quatre jours. Cela n’arrivera tout simplement pas, n’est-ce pas ?

Baltin : La plupart des choses ont-elles été écrites dans COVID ou produites et écrites avant COVID ?

Watson : Conçu avant COVID, puis en quelque sorte terminé, en quelque sorte à la fin de l’année dernière. Donc, en quelque sorte, postez la première vague, quand nous pensions que nous allions tous bien.

Baltin : La raison pour laquelle je pose la question, c’est que j’ai parlé à tant d’artistes au cours de l’année dernière, et la seule chose sur laquelle la plupart des artistes se sont mis d’accord, c’est que même lorsqu’ils manquent les tournées, il y avait toujours cette liberté artistique qu’ils avaient. Pour vous les gars, avez-vous trouvé que lorsqu’il s’agissait de Aimer en stéréo il y avait une opportunité de faire des choses différentes ?

Watson : Oui, bien sûr. Je pense que le disque a en quelque sorte changé à cause de ce calme. Dans nos têtes, nous voulions revenir assez rapidement du dernier disque, car entre le premier et le deuxième c’était environ quatre ans. Nous voulions donc le sortir en mars 2020. Mais, comme vous l’avez dit, [in] la pandémie, tout le monde se disait : « Oh, ne fais rien. » Et c’est un si gros disque en termes d’énergie et de potentiel live, que je pense que nous nous sommes dit : « Oh, nous ne pouvons pas le sortir maintenant, parce que si nous le sortons maintenant, alors ce sera un vieux record au moment où le monde s’en remettra. » Et, je pense que nous étions assez catégoriques sur le fait que nous voulions que les gens l’apprécient dans l’environnement live. Cela dit, le temps libre a ensuite permis au disque de s’asseoir, en perspective, et vous grandissez, et vos goûts changent, et, tout d’un coup, toutes les pistes commencent à être modifiées. Et, ce disque s’est amélioré, je dirais trente à quarante pour cent.

Baltin : Alors, quels ont été les plus gros ajustements parce que vous aviez plus de temps pour jouer avec ?

Watson : Je pense que nous avons pas mal changé. Nous avons changé la liste des morceaux, ce n’est que fin décembre, fin novembre 2020 que nous l’avons en quelque sorte verrouillé. Et « Keep Moving » est un gros morceau qui était … c’était un morceau cool, mais c’était juste ‘ t un smash, ce n’était pas la chanson qu’elle est aujourd’hui. Mais beaucoup d’entre eux sont venus très rapidement, il y avait beaucoup de chansons qui, par exemple, « No Rules », « Just Fly, Don’t Worry », « Goodbye My Love », qui n’étaient pas sur le disque à l’origine. Ce qui est venu du simple fait de s’amuser à l’époque où vous pouviez simplement faire de la musique et le disque se concentrait ensuite sur la musique que nous aimions, une musique qui nous faisait ressentir quelque chose plutôt que de la musique qui était comme pour les fans. La perspective a changé, nous voulions ensuite faire un disque qui nous a semblé incroyable, en fin de compte.

Baltin : Alors quels ont été ces moments pour vous ou même lorsque vous avez commencé à penser à ces disques sur lesquels vous regardez en arrière, qui vous semblent incroyables ?

Watson : Ouais, les disques que je pense sonnent incroyables quand vous commencez avec ça, c’est toute la musique que vous avez aimée, comme le premier disque dans les haut-parleurs nous a évidemment influencé d’une certaine manière, des magnats de la production comme J. Dilla et Knxwledge, et De plus en plus de beatmakers instrumentaux hip-hop ont une énorme influence sur nous aussi. De la vieille âme comme Marvin Gaye jusqu’aux harmonies et aux sentiments des chansons des Beach Boys et des Beatles, et ces disques vous ont vraiment fait voyager et je pense que nous avons en quelque sorte mis beaucoup de cela dans nos disques. Il y a des chansons dont nous aimons le son et dont nous aimons le sentiment, la musique est finalement un sentiment et nos morceaux l’ont fait pour nous, des trucs comme « No Rules » et « Fire », des chansons qui étaient un peu plus avant-gardistes. garde en fonction de leur structure. Ce sont presque plus des pièces instrumentales et des bandes sonores, mais avec cette énergie chaotique qui s’y dégage, et ce que vous savez de moi, c’est encore une fois que des choses que nous avons peut-être ignorées auparavant ont eu une chance de briller. Et quand vous regardez en arrière sur le chemin comme, « Ouais, c’est vraiment vraiment cool. » Ce sont les choses que vous faites parce que vous pensez que c’est cool, pas parce que vous pensez que quelqu’un d’autre va penser que c’est cool.

Baltin : Je pense qu’en tant qu’artiste, ne trouvez-vous pas que lorsque vous faites ce que vous pensez être cool par rapport à ce que quelqu’un d’autre pense être cool, c’est finalement ce qui attire le plus les gens de toute façon ?

Watson : Cent pour cent. Nous avons quitté notre label XL, qui est un super label quand nous étions là-bas, mais encore une fois, cela m’a toujours mis dans la position de devoir impressionner quelqu’un d’autre immédiatement devant moi avant qu’il ne sorte, et avec cet album. Il n’y avait pas d’A&R, nous l’avons fait. Personne n’est venu avec ce disque et n’a dit : « Oh, je ne suis pas sûr. » Et c’est quelque chose que j’ai appris d’un de mes amis. Il m’a dit : « Vous apportez le disque au distributeur quand c’est fait, vous ne laissez pas aux autres la chance de choisir s’ils aiment une chanson ou s’ils pensent que quelque chose est commercialement viable. » Et pour nous, c’est fini par faire ce que je pense être notre meilleur disque à ce jour.

Baltin : C’est le premier disque que vous avez fait sur votre propre label, n’est-ce pas ?

Watson : Bien sûr. Et quand nous disons label, nous ne voulons pas dire que nous avons commencé un conglomérat. Pour nous ces jours-ci c’est juste un nom à mettre sur la chose pour la rendre vaguement officielle, vous n’avez pas vraiment besoin d’une étiquette de nos jours, tout est direct au consommateur et direct au fan. Et une fois que vous avez une base de fans, ce que nous avons la chance d’avoir, il s’agit simplement de sortir de la bonne musique et de couper un peu de peluches.

Baltin : Que retiens-tu de ce disque quand tu l’écoutes ?

Watson : Un enregistrement est toujours un instantané dans le temps. Vous obtenez des gens qui reviennent sur votre troisième album et puis ils disent : « Eh bien, je n’aime pas ce qu’ils font maintenant. » Et c’est parfois comme si les deux personnes avaient changé ; l’artiste et le fan se sont développés de différentes manières et se sont éloignés l’un de l’autre. Si je regarde en arrière et que je dis : « J’adore le deuxième album de Strokes, même le premier. » J’avais 14, 15 ans, c’était il y a 15 ans, et c’était une période de ma vie où je développais et j’étais ouvert à tout, et maintenant les Strokes viennent de sortir un nouvel album, il sonne aussi bien que ces premiers albums, mais je n’ai pas 15 ans. Donc, c’est un moment et un lieu que David Byrne de Talking Heads dans son livre, Comment fonctionne la musique, a parlé de l’attachement émotionnel du temps et du lieu et de la pertinence de cela pour la musique et les fans.

Baltin : C’est un disque vraiment optimiste et positif. Était-ce quelque chose dont vous pensiez que les gens avaient juste besoin ?

Watson : Je pense que c’est quelque chose dont nous avions besoin et le genre de timing est en quelque sorte un heureux hasard, c’est quelque chose qui vient de se produire. J’ai l’impression que c’est un peu une sorte d’événement, nous ne pouvions pas planifier. Nous ne savions pas que COVID se produisait. L’intention du record a été énoncée avant que COVID ne se produise. Nous faisions un disque optimiste en termes de niveaux d’énergie et évidemment le thème est développé et ils étaient en quelque sorte basés sur l’antithèse, à l’opposé de ce que nous avions connu auparavant. Notre dernier album était sur le chagrin, et c’était des morceaux mid-tempo et avec n’importe quel art, vous voulez vous rebeller contre votre dernier travail et pour nous, nous étions comme, « Eh bien, celui-ci n’est pas sur le chagrin parce que nous venons de le faire ça. » Et puis vous voulez aller dans l’autre sens, et donc vous cherchez un nouvel amour et vous cherchez une croissance spirituelle. Et ces thèmes commencent à apparaître comme la chose, et il semble que ce que COVID a fait, ce qui est comme si c’était arrivé à tout le monde en même temps, nous avons évidemment quitté notre label et nous avons en quelque sorte surmonté un chagrin et vous regardez des chansons comme « Dry Your Tears », « Keep Moving ». « Sèche tes larmes » est une sorte de rêverie presque inconsciente du genre « Tu iras bien, tu dois te relever, ça te pousse à continuer à avancer. » Ce qui est comme un appel aux armes.