La rétrospective mémorable de Jasper Johns révèle des récits parallèles au Whitney and Philadelphia Museum of Art, transformant notre perception du maître vivant inégalé

Ce qui pourrait être une photo d’identité en noir et blanc du légendaire marchand d’art italo-américain Leo Castelli plane en haut à gauche, collée par des punaises en trompe-l’œil. Une image monochrome de la La Joconde avec son nom imprimé audacieusement et attaché avec du ruban adhésif en trompe-l’œil, comme pour souligner de manière ludique son importance indéniable dans l’histoire de l’art, se trouve à droite de la ligne médiane clairement délimitée. Les couleurs, les textures, le texte et les motifs taquinent le spectateur, tandis que l’œil voyage plus loin vers une impression monochrome de Barnett Newman de la collection personnelle de Jasper Johns. Des mots français au pochoir sur une affiche rouge menaçante représentant un simple crâne et un avertissement de chute sont coupés sur le bord droit et débordent sur le côté gauche, faisant allusion à la précarité humaine. Deux vases en céramique distincts créés par George Ohr et Judy Cousin pour commémorer le jubilé d’argent d’Elizabeth II sont placés à gauche du centre sur ce qui semble être un panier à linge ou un panier à linge. Un robinet de baignoire vintage en bas à gauche nous attire pour trouver un peu de calme au milieu de la frénésie. Nous sommes plongés dans le subconscient de l’éminence.

Nous nous engageons avec le bien nommé Pensées de course (1983), une encaustique à grande échelle et un collage sur toile, imaginant, même ressentant ou partageant, l’intensité des pensées cohérentes, persistantes et souvent intrusives de Johns qui se succèdent rapidement, peut-être un puissant mélange d’anxiété et de vigueur créative.

La toile vibrante installée à côté d’une version grise fait partie des 500 œuvres de la capitale Jasper Johns : Esprit/Miroir, qui s’ouvre mercredi au Whitney Museum of American Art de New York, simultanément à une exposition du même nom au Philadelphia Museum of Art. Cinq ans et demi de collaboration entre Scott Rothkopf, directeur adjoint principal et conservateur en chef de la famille Nancy et Steve Crown au Whitney, et Carlos Basualdo, Keith L. et Katherine Sachs conservateur principal de l’art contemporain au Philadelphia Museum of L’art, avec les idées fréquentes du maître américain sans égal et prolifique de 91 ans, révèle une myriade d’idées sur une carrière longue et continue de sept décennies.

L’énergie, la curiosité et les révélations ont tourbillonné lors du premier aperçu de presse en personne au Whitney en un an, alors que la profondeur et la portée de ce projet herculéen étaient révélées. Si vous êtes de plus en plus curieux, vous rencontrerez la magie dans des œuvres comme Drapeaux (1965), une huile sur toile avec objet, et Cibles (1966), une encaustique et un collage sur toile, où le fait de fixer un petit point noir et un petit point blanc inverse les couleurs vives et contrastées et stimule le mouvement visuel sur la toile palpitante. Préparez-vous à la flexibilité mentale et à l’agilité alors que nous naviguons dans les querelles acrobatiques de Johns à travers les genres, les styles, les thèmes et les médiums. Ne confondez pas cela avec de la fragmentation, car cette vision radicale de son vaste et mutine œuvre redéfinit la façon dont nous expliquons un grand maître vivant.

« J’espère vraiment que vous verrez les expositions dans les deux endroits », a déclaré Adam D. Weinberg, directeur d’Alice Pratt Brown du Whitney. « C’est vraiment comme un De l’autre côté du miroir vivre. Vous ne savez pas de quel côté est en haut ou en bas, mais c’est absolument magnifique et cela rassemble vraiment tout en un seul endroit, alors s’il vous plaît, rendez-vous à Philadelphie.

Le Whitney a embrassé Johns depuis le début de sa carrière, affichant son travail depuis 1959, a déclaré Weinberg.

« La clé pour moi était de maintenir ma croyance en un projet qui se déroulerait au fil du temps, et (qui) s’est avéré être vraiment quelque chose d’assez extraordinaire », a déclaré Rothkopf. « Et je dois dire que cette croyance a été pleinement justifiée. »

Basualdo a comparé l’expérience à l’ascension d’une montagne, l’imaginant lui et Rothkopf au sommet.

« Nous avons été rejoints à la hanche dans cela, nous étions vraiment, parfois en train de nous battre pour l’eau », a plaisanté Basualdo. « Parfois, se chassant les uns les autres, plusieurs fois. Et la question est : « avons-nous atteint le sommet ? »

Les conservateurs ont incorporé des détails subtils pour renforcer le thème général, tels que la construction d’angles à 90 degrés avec des panneaux en miroir pour invoquer un regard kaléidoscopique dans les pensées intérieures de Johns dans la galerie Mirror/Double. Votre réflexion vous intègre dans l’exposition, exaltant l’expérience viscérale. Une grue a été nécessaire pour enlever Carte (1963), une encaustique et un collage à grande échelle sur toile provenant de l’appartement d’un collectionneur privé qui a prêté l’œuvre.

Cible avec quatre visages (1955) marque notre psyché socio-politique collective et individuelle. La cible elle-même impose un regard direct, comme si nous visions ou tolérions la violence associée à une telle action, tandis que les quatre visages, coupés pour obstruer toute vision, nous attirent dans les nuances des narines et des lèvres, aiguisant notre concentration et élargir notre contemplation.

Trois drapeaux (1958), un hybride extrêmement influent de peinture et de sculpture, engage nos identités multiples, souvent conflictuelles, avec le drapeau et la nation. Le sentiment d’instabilité né de la contemplation Cible avec quatre visages, qui nous berce doucement d’avant en arrière dans une transe visuelle, reprend avec une exploration minutieuse. Trois drapeaux de tailles différentes défient notre perception de la profondeur autant que nos représentations de ce que cela signifie ou ressent d’être américain ou d’être en Amérique.

La galerie Dreams du Whitney présente un changement spectaculaire des hachures abstraites à la présentation d’images complexes enveloppées de couleurs joyeuses. Il y a de la fantaisie dans ces œuvres des années 1980 et 1990, mais le chagrin sous-jacent de cette époque imprègne l’imagerie. La galerie associée à Philadelphie explore Nightmares, plongeant dans la dévastation du monde de l’art new-yorkais pendant l’épidémie de sida.

Une ambiance sombre et industrielle émane de la mise en scène méticuleuse par Whitney d’une exposition Castelli de 1968 mettant en vedette six peintures accrochées au ras du sol, exigeant une inspection minutieuse. Le cadre de la maison de ville met en évidence comment l’imagerie, les processus et l’imagination de l’espace architectural relient chaque œuvre en faisant référence aux murs dans les toiles et au ciel dans les cadres. Voyagez plus loin avec la reconstitution à Philadelphie d’une exposition Castelli de 1960.

Le portrait de Castelli réapparaît dans diverses incarnations stylistiques, à travers les galeries. Des œuvres telles que Sans titre (Leo Castelli) (1984), une encaustique sur toile où le visage est brouillé et assombri par des formes pastel de pièces de puzzle, nous rappelant que la galerie Leo Castelli a présenté au monde ce génie expérimental en janvier 1958, résultant en une exposition solo à guichets fermés qui a transformé à jamais le monde de l’art new-yorkais.

Regardez de près et vers le haut pour espionner l’empreinte de Johns formant presque un symbole yin et yang berçant les sept et huit dans les deux premières rangées de l’aluminium massif Nombres (2007, fonte 2008). Johns a revisité son étude des chiffres et de la sculpture des années 1960 au début des années 2000, cherchant à mouler dans un matériau plus durable son relief Nombres (1964), qui est exposé au Lincoln Center for the Performing Arts à New York. Il n’a jamais moulé la peinture originale, il a donc assemblé une nouvelle version en segments de cire, en utilisant des procédés formels et techniques innovants. Certains chiffres sont soigneusement dessinés au pochoir tandis que d’autres imitent ses gouttes picturales. L’avant-dernière galerie de sculptures récentes est une expérience unique la nuit, avec les lumières vacillantes de la ville créant une nouvelle expérience sensorielle.

Les œuvres les plus récentes de Johns incarnent des émotions intenses qui nous ramènent à ses œuvres antérieures et forcent un réexamen de la façon dont nous percevons son utilisation de la couleur, de la forme et de la composition. Il y a de la tristesse et de la joie entremêlées tout au long de son œuvre, souvent ponctué d’ironie et d’intelligence. De retour dans les 13 galeries thématiques le soir, j’ai traversé la direction opposée pour insuffler ma nouvelle appréciation pour ses œuvres récentes dans ma compréhension de l’héritage de ses réalisations antérieures, souvent autoréférentielles ou liées à d’autres révolutionnaires créatifs tels que Marcel Duchamp et L’ancien amant de Johns, Robert Rauschenberg. Ensemble, Rauschenberg et Johns ont secoué le monde de l’art, s’efforçant de subvertir la notion d’artiste en tant que créateur visionnaire. En 1958, Johns et Rauschenberg se sont rendus au musée de Philadelphie pour voir la collection de ready-made de Duchamp, et l’année suivante, Duchamp a visité l’atelier de Johns. Leur influence collective sur le monde de l’art du 20e siècle a été métamorphique.

« Remarquez dans cette pièce, la température change », a déclaré Rothkopf. « En partie à cause des œuvres sur papier, mais aussi pour habiter un endroit plus sombre, métaphoriquement. C’est une élégie, un peu liée au fil de la vie. … Cela nous emmène dans un endroit très sombre et méditatif que nous explorons.

Des images symbolisant des monuments funéraires, des croix et des squelettes introduisent un dialogue sur la mortalité et la perte. Rien n’est simple pour Johns.

« Le ton sombre s’exprime à travers l’obscurité dans la lumière. L’ironie et le jeu aussi, et le jeu est une pure joie », a déclaré Basualdo.