‘Edward Hopper’s New York’ au Whitney magnifie les six décennies du maître dans sa ville bien-aimée

Assise seule, une jeune femme énigmatique regarde vers le bas alors qu’elle s’apprête à soulever une tasse de café de la main droite nue tandis que sa main gauche, enchâssée dans un gant noir, repose sur une petite table ronde. Ses jambes croisées impliquent une posture et sa nonchalance transmet une sensation contemporaine qui est imitée à ce jour par les New-Yorkais accomplis.

Le sujet de Automate (1927) s’inspire de la femme d’Edward Hopper et collègue peintre Josephine « Jo » Hopper. Elle avait 44 ans à l’époque et il l’a repensée plus jeune pour la peinture.

Le premier distributeur automatique a ouvert ses portes à Berlin en 1985 en tant que restaurant de restauration rapide où des distributeurs automatiques servaient des aliments et des boissons simples, et le premier à New York a ouvert ses portes en 1912, lançant sa popularité dans les villes industrielles du nord des États-Unis. Il sert à la fois à commémorer une tendance historique et à servir d’hommage personnel. Les Hoppers étaient de fréquents clients des automates et Jo, qui tenait un journal détaillé, racontait comment son mari consommait trop de café.

Même s’il capture un moment dans le temps, en omettant les distributeurs automatiques dans sa composition, Hopper a créé une scène qui transcende cette époque. Deux rangées d’ampoules provenant de luminaires intérieurs se reflètent à travers la fenêtre nocturne, soulignant la nature nocturne de New York. C’est rafraîchissant de voir une femme sortir seule la nuit en 1927, un comportement qui est sûrement plus courant dans les grandes villes du monde.

Vernissage le 19 octobre au Musée Whitney d’art américain, Le New-York d’Edward Hopper témoigne de la nature fongible et durable d’une ville toujours exaltante et souvent maussade. Présentée jusqu’au 5 mars 2023, la première exposition consacrée à la relation solide de l’artiste avec la ville où il a vécu la majeure partie de sa vie examine en profondeur sa vie et son œuvre à travers ses représentations. Né à Upper Nyack dans le comté de Rockland, New York, en 1882, Hopper a vécu dans la ville de 1908 jusqu’à sa mort à Greenwich Village en 1967. Son studio, un monument historique au 1 Washington Square North, est à un peu plus d’un mile de la Emplacement actuel de Whitney.

Vous aurez envie de vous attarder, en regardant profondément dans les multitudes de personnages et de situations que nous rencontrons dans la vie quotidienne en tant que New-Yorkais. Les toiles commencent leurs conversations au début du XXe siècle et continuent de parler des volumes aux visiteurs contemporains qui voient simultanément combien et combien peu a changé. Les premiers croquis, estampes et illustrations dialoguent avec les peintures tardives de Hopper, racontant l’histoire de ce que c’est que d’être un New-Yorkais.

Organisée par Kim Conaty, Steven et Ann Ames Conservateur des dessins et estampes, avec Melinda Lang, assistante principale de conservation, l’exposition présente l’acquisition récente par Whitney d’éphémères imprimés, de correspondance, de photographies et de journaux des archives de Sanborn Hopper aux côtés d’œuvres du Whitney’s collection et autres pièces exceptionnelles prêtées par d’autres musées.

Des expositions comme celle-ci nous permettent de vivre l’histoire de l’art, l’expérience dynamique de voir comment les œuvres d’art se transforment à travers la conservation et le contexte. Hopper dépeint des femmes qui sont relatables, qui nous aident à naviguer dans notre propre psychisme et nos circonstances.

Nous sommes transportés dans la grandeur et la solitude de regarder un film depuis des sièges de velours rouge luxuriant dans un théâtre presque vide. L’effervescence potentielle à l’écran est contrée par le placeur blasé mais élégant qui préfigure à 32 ans le David Bowie Vie sur Mars lyrique « le film est un ennui attristant car elle l’a vécu dix fois ou plus. »

La référence Bowie est justifiée par la sensation évocatrice opportune et intemporelle de la seule peinture de Hopper représentant un écran de cinéma. Notre regard rebondit entre l’écran obscurci, le dos de deux invités assis et l’huissier blond élancé, inspiré à nouveau par Jo Hopper.

L’émotion imprègne cette scène new-yorkaise par excellence, l’intérieur de théâtre le plus élaboré de Hopper, qui emprunte et préserve la riche histoire de la ville. Une fusion des recherches de Hopper sur le Globe Theatre de style Beaux-Arts construit en 1910 (aujourd’hui le Lunt-Fontanne Theatre), le Republic Theatre construit en 1900 avec une façade d’inspiration vénitienne (aujourd’hui New Victory Theatre) et le Strand Theatre (qui ouvert en 1914 avec une façade en terre cuite vernissée blanche a malheureusement été démoli en 1987), la représentation traverse le paysage culturel de Manhattan. Le Globe, la République et même le Strand avant sa disparition ont subi une myriade de transformations, s’adaptant à l’évolution continue de New York en tant que capitale mondiale des arts. Hopper réaffirme notre foi dans le maintien de telles institutions.

Dans un départ de l’amalgame, Le théâtre Sheridan (1937) présente un théâtre spécifique, le favori local de Hopper, situé à un demi-mile à pied de sa maison et de son studio de Greenwich Village. L’huissière blonde revient, cette fois en tant que personnage central, le dos tourné au spectateur et allongée sur les rails de la mezzanine oblongue. Deux homologues masculins se tiennent à sa gauche au-dessus de l’escalier, créant une distance entre les personnages et amplifiant sa présence. S’efforçant d’imiter l’éclat du système d’éclairage électrique du Sheridan, Hopper a éteint les lumières de son studio de Washington Square tout en peignant.

Hopper revisite l’image composite, cette fois dans une sphère domestique, avec Chambre à New York (1932). Cette image d’un homme lisant le journal et d’une femme tapant sur une touche de piano, mais ne jouant clairement pas de chanson ou de composition, suggère une certaine distance entre le couple. Plus important encore, il raconte l’histoire d’un New-Yorkais typique, qui ne passe jamais devant la fenêtre d’un appartement sans jeter un coup d’œil à l’intérieur pour voir comment vivent les autres.

« L’idée de Room in New York me trottait dans la tête depuis longtemps avant que je ne la peinte. Cela a été suggéré par des aperçus d’intérieurs éclairés vus alors que je marchais dans les rues de la ville la nuit, probablement près du quartier où j’habite (Washington Square), bien que ce ne soit pas une rue ou une maison en particulier, mais c’est plutôt une synthèse de nombreuses impressions. Hopper a déclaré à l’historien de l’art américain Lloyd Goodrich.

Bien plus qu’une « synthèse de nombreuses impressions », cette exposition révolutionnaire est une célébration de la ville et du maître qui coexistent et révèlent l’immortalité de New York.